El cuidado que tengamos con nuestro organismo, se retribuirán en nuestra salud y nuestra imagen. Por ello debemos tomar en cuenta algunas recomendaciones.
Para las mujeres:
Para tener un cabello brillante y fuerte mezcla tratamientos, ampollas y vitamina E. Evita las ligas, utiliza solo las que vienen forradas.
Para tener un rostro espectacular debemos utilizar en las mañanas vitamina E y en la noche lavar el rostro con jabón de avena y aplicar cremas hidratantes. Aplicate mascarillas exfoliantes para eliminar las impurezas.
No olvides desmaquillarte antes de dormir.
Para cuidar tus pestañas, utiliza vaselina todas las noches.
Para las manos debemos aplicar aceite de oliva tibio desde los dedos hasta el antebrazo y tener las uñas limpias y con brillo.
Para la piel además de utilizar cremas para el cuerpo que contengan vitamina E y hacernos 2 veces al mes un baño de aceite, en una tina mezclar una cucharada de aceite de oliva y 2 gotas de aceite de lavanda y 2 gotas de escencia de naranja, revolver y sumergirnos por 10 minutos. El resultado una piel envidiable y una mente relada. .
Contra la celulitis realiza ejercicio y hazte masajes utilizando las yemas de los dedos y haciendo movimientos circulares.
Para los hombre:
Limpia el rostro antes del afeitado y utiliza un producto después del afeitado.
Para resumir la rutina de belleza en el hombre consiste en la higiene personal, utilizar productos para el afeitado y utilizar protectores solares.
Para ambos:
Dormir mínimo 8 horas.
Tomar mucha agua, mínimo 8 vasos de agua.
Consumir frutas, verduras y alimentos ricos en fibras; mantener una dieta balanceada y sana.
Hacer ejercicios regularme o practicar algún deporte.
Utilizar productos de protección solar entre las 10 de la mañana hasta las 4 de la tarde y reaplicarlo cada 2 horas.
sábado, 24 de diciembre de 2011
sábado, 10 de diciembre de 2011
El Arte Griego
El Partenón en la Acrópolis de Atenas.
El arte griego inicia en el siglo VIII a. C., alcanza su mayor desarrollo en el siglo V a. C. y termina en el siglo II a. C., al ser conquistada la Grecia Clásica por los romanos. En la Atenas del siglo V a.C. se reconstruyó la Acrópolis, después de la destrucción causada por las invasiones de los persas. Con estas reconstrucciones se desarrollaron los más altos niveles en la arquitectura y en la escultura.
Los griegos adoraban las fuerzas de la naturaleza, convirtiéndolas en dioses con formas humanas. Estos dioses eran inmortales y habitaban en el Olimpo, la montaña más alta de Grecia. Entre los dioses están: Apolo, Afrodita, Atenea, Zeus y Poseidón.
Los héroes nacidos de la unión de un Dios con un humano se les llamo semidioses. Entre los más conocidos: Edipo y Orfeo.
La filosofía de los griegos se encargaba de estudiar al hombre, los problemas del mundo y a la naturaleza. En los siglos V y IV a.C. llega a su máximo desarrollo con los filósofos Sócrates, Aristóteles y Platón.
En la literatura los griegos cultivaron todos los géneros literarios, especialmente la poesía épica, con las obras inmortales de Homero como lo son: La Ilíada y La Odisea que fueron creadas entre los siglos IX y VIII a.C.
En la arquitectura griega se construyeron templos en honor a dioses y fue una arquitectura empírica en la civilización egipcia. Dentro de esta se distinguen tres periodos:
Periodo Arcaico: se construye el templo más representativo del arte griego.
Periodo Clásico: también conocido como época de oro de Pericles, quien fue el impulsor de la reconstrucción de la Acrópolis.
Periodo Helenístico: se produce durante el siglo III a.C., pero la arquitectura no se limita solamente a los templos y palacios, sino que producen obras de utilidad pública (acueductos, fuentes, caminos y etc.).
En la pintura los griegos utilizaron una pintura para jarrones y vasos en rojo y negro que se han podido encontrar hasta la fecha. Quizás los más destacados pintores fueron: Apeles y Protégenes.
Fuente: El arte griego, http://thales.cica.es/rd/Recursos/rd98/HisArtLit/01/artegr.htm, 10 de diciembre de 2011.
Imagen: El arte griego, http://www.webcultura.net/u-arte-griego.html, 10 de diciembre de 2011.
jueves, 29 de septiembre de 2011
La Poesía Lírica
La poesía, que es la búsqueda de expresión de los más profundos sentimientos del hombre, alcanza su grado más puro en la poesía lírica. Las grandes obras de arte gustan siempre porque están impregnadas de poesía. La poesía no solo se encuentra en un poema; la poesía está en uno mismo.
Todo poema lírico busca captar en un instante la plenitud de un sentimiento, de una emoción, de una sensación, de una mirada o cualquier experiencia única e irrepetible, por medio de la palabra.
La poesía no depende de la forma expresiva (verso o prosa) sino de su inspiración, desarrollo y recreación del lenguaje, en la medida que plasme armonía interior y siga el ritmo del pensamiento, la imaginación y la fantasía.
La poesía moderna, al romper con las rígidas estructuras métricas, se vuelve libre y embellece, mediante el ritmo y las palabras que permiten trasmitir esa emoción profunda.
Para entender mejor la poesía lírica debemos conocer sus características:
Musicalidad: elemento estructural más importante de toda composición poética. La musicalidad de un poema se logra mediante la utilización de algunos recursos como: El ritmo que es la repetición periódica de elementos distribuidos armónicamente en el poema y que crea una sinfonía poética. La rima que es la repetición de sonidos finales entre verso y verso. La armonía que es la disposición adecuada de todos los elementos que convergen en la realización poética.
Individualidad y Sentimiento: es la expresión del mundo interior del poeta. Nos da a conocer sus vivencias y nos hace participes de sus sentimientos y emociones.
Sugestión: es el estado de ánimo que nos plasma el poeta y que al leer el poema se produce en el lector.
Brevedad: la poesía lírica tiende a ser breve.
Libertad Expresiva: es la selección o motivo de inspiración independiente de la realidad objetiva en que se halle el poeta.
Intraducibilidad: la poesía es una entidad en sí misma y al pretender recrearla o traducirla pierde su esencia, y deja de ser ella para ser otra.
Fuente: Cecilia Villabona de Rodríquez, Rubiela Palonía Vargas, Andrés Elías Flórez, Español Noveno, Premedia de Básica General, Maya Ediciones, Quito, Ecuador, 2006.
Todo poema lírico busca captar en un instante la plenitud de un sentimiento, de una emoción, de una sensación, de una mirada o cualquier experiencia única e irrepetible, por medio de la palabra.
La poesía no depende de la forma expresiva (verso o prosa) sino de su inspiración, desarrollo y recreación del lenguaje, en la medida que plasme armonía interior y siga el ritmo del pensamiento, la imaginación y la fantasía.
La poesía moderna, al romper con las rígidas estructuras métricas, se vuelve libre y embellece, mediante el ritmo y las palabras que permiten trasmitir esa emoción profunda.
Para entender mejor la poesía lírica debemos conocer sus características:
Musicalidad: elemento estructural más importante de toda composición poética. La musicalidad de un poema se logra mediante la utilización de algunos recursos como: El ritmo que es la repetición periódica de elementos distribuidos armónicamente en el poema y que crea una sinfonía poética. La rima que es la repetición de sonidos finales entre verso y verso. La armonía que es la disposición adecuada de todos los elementos que convergen en la realización poética.
Individualidad y Sentimiento: es la expresión del mundo interior del poeta. Nos da a conocer sus vivencias y nos hace participes de sus sentimientos y emociones.
Sugestión: es el estado de ánimo que nos plasma el poeta y que al leer el poema se produce en el lector.
Brevedad: la poesía lírica tiende a ser breve.
Libertad Expresiva: es la selección o motivo de inspiración independiente de la realidad objetiva en que se halle el poeta.
Intraducibilidad: la poesía es una entidad en sí misma y al pretender recrearla o traducirla pierde su esencia, y deja de ser ella para ser otra.
Fuente: Cecilia Villabona de Rodríquez, Rubiela Palonía Vargas, Andrés Elías Flórez, Español Noveno, Premedia de Básica General, Maya Ediciones, Quito, Ecuador, 2006.
viernes, 23 de septiembre de 2011
Historia del Cine
La Llegada del Tren (de los hermanos Louis y Auguste Lumière)1895.
El cine se desarrolló como ciencia antes de que sus posibilidades artísticas o comerciales fueran conocidas y exploradas. Uno de los primeros avances científicos que llevó directamente al desarrollo del cine fueron las observaciones de Peter Mark Roget, que en 1824 publicó un importante trabajo científico con el título de Persistencia de la Visión en lo que afecta a los objetos en movimiento, en el que establecía que el ojo humano retiene las imágenes durante una fracción de segundo después de que el sujeto deja de tenerlas delante.
Los experimentos sobre la proyección de imágenes en movimiento visibles para más de un espectador se estaban desarrollando simultáneamente en Estados Unidos y en Europa; en Francia, a pesar de no contar con la gran infraestructura industrial de Edison, los hermanos Louis y Auguste Lumière llegaron al cinematógrafo, invento que era al tiempo cámara, copiadora y proyector, y que es el primer aparato que se puede calificar auténticamente de cine, por lo que su presentación pública, el 28 de diciembre de 1895, y el nombre de los inventores son los que han quedado reconocidos universalmente como los iniciadores de la historia del cine. Los hermanos Lumière produjeron además una serie de cortometrajes con gran éxito, de género documental, Uno de sus cortometrajes más efectivos para demostrar las posibilidades del nuevo invento fue el que mostraba a un tren avanzando hacia el espectador, lo que causaba gran impresión en el público asistente. El cine que se producía mientras en el estudio de Edison era más teatral: números circenses, bailarinas y actores dramáticos que actuaban para las cámaras.
En 1896 el ilusionista francés Georges Méliès demostró que el cine no sólo servía para grabar la realidad, sino que también podía recrearla o falsearla. Con estos inteligentes indicios, hizo una serie de películas que exploraban el potencial narrativo del nuevo medio, dando inicio al cine de una sola bobina. En un estudio en las afueras de París, Méliès rodó el primer gran filme puesto en escena cuya proyección duró cerca de quince minutos: L’Affaire Dreyfus (El caso Dreyfus, 1899) y filmó Cendrillas (Cenicienta, 1900) en 20 escenas. Méliès descubrió que deteniendo la cámara en mitad de una toma y recolocando entonces los elementos de la escena antes de continuar podía, por ejemplo, hacer desaparecer objetos y retrocediendo la película unos cuantos centímetros y comenzando la siguiente toma encima de lo ya filmado, lograba superposiciones, exposiciones dobles y disoluciones. Sus cortometrajes fueron un éxito inmediato de público y hoy son precursores significativos de las técnicas y los estilos de un arte.
El estilo documentalista de los hermanos Lumière y las fantasías teatrales de Méliès se unieron en las ficciones realistas del inventor estadounidense Edwin S. Porter, a quien se le atribuye la paternidad del cine de ficción. En el estudio de Edison, Porter produjo la primera película estadounidense interesante, Asalto y robo de un tren, en 1903. Esta película, de 8 minutos, intervino de forma decisiva en el perfeccionamiento del cine porque incluía innovaciones como el montaje de escenas filmadas en diferentes momentos y lugares para componer una unidad narrativa. Asalto y robo de un tren tuvo un gran éxito y contribuyó de forma notable a que el cine se convirtiera en un espectáculo masivo. La mayoría de las películas, de una sola bobina, de la época eran comedias breves, historias de aventuras o grabaciones de actuaciones de los actores teatrales más famosos del momento.
Fuente: Eudes Piña, Monografias.com, Trabajo Cine Historia, http://www.monografias.com/trabajos14/cinehistor/cinehistor.shtml
13 de septiembre 2011.
Video: 1895: La Llegada del Tren (Hermanos Lumière), Subido por Carlos J. Garcia R. el 14 de septiembre de 2009, http://www.youtube.com/watch?v=qawVtd32DOQ, 13 de septiembre 2011.
jueves, 8 de septiembre de 2011
El Artista, Noel Rosas
Noel Rosas, nació en Rio de Janeiro, en diciembre de 1910, en el barrio de Vila Isabel, barrio de clase media de la ciudad. Marcado por una fractura en el maxilar izquierdo, que le provocado parálisis parcial en el lado derecho del rostro.
Comenzó a interesarse por la música muy temprano, tocando la mandolina de su madre, en la misma época en que entraba al colegio Sao Bento, uno de los mejores colegios de Rio.
De la mandolina, Noel paso a la guitarra, instrumento que su padre tocaba. Amigos, vecinos y parientes incentivaban al adolecente, enseñándole vals y canciones. A los 15 años ya dominaba el instrumento.
Noel estudiaba apenas lo suficiente para pasar de año y ya comenzaba a ser conocido en los cafés-bares de Vila Isabel. Comenzó haciendo las primeras serenatas y enfrentando las primeras aventuras amorosas. A pesar de eso, en 1931 ingreso a la facultad de medicina, para alegría de su madre.
En 1932 abandono los estudios para ser un bohemio definitivamente. Se levantaba tarde y frecuentaba las estaciones de radio, observando con humor todo y todos a su vuelta, hacían sambas y volvía a su casa de mañana.
Una vida difícil, poco dinero, una esposa en cas a su espera, una madre preocupada, manchas en sus dos pulmones. Noel murió en diciembre de 1936.
Su paso por la vida fue muy corto, murió de 26 años, dejando un equipaje de literatura musical riquísima, modernísima e inmortal de más de 230 músicas.
Noel Rosas fue un genio. Ningún cantor de Rio mejor que él.
Fuente: Emma Eberlein O. F. Lima, Cristián González Bergweiler, Tokiko Ishihara, Avenida Brasil 2, Editora, Pedagógica Universitária, Ltda., Sao Paulo, 1995.
Tradución de portuqués a español: Fidelina Ríos
Comenzó a interesarse por la música muy temprano, tocando la mandolina de su madre, en la misma época en que entraba al colegio Sao Bento, uno de los mejores colegios de Rio.
De la mandolina, Noel paso a la guitarra, instrumento que su padre tocaba. Amigos, vecinos y parientes incentivaban al adolecente, enseñándole vals y canciones. A los 15 años ya dominaba el instrumento.
Noel estudiaba apenas lo suficiente para pasar de año y ya comenzaba a ser conocido en los cafés-bares de Vila Isabel. Comenzó haciendo las primeras serenatas y enfrentando las primeras aventuras amorosas. A pesar de eso, en 1931 ingreso a la facultad de medicina, para alegría de su madre.
En 1932 abandono los estudios para ser un bohemio definitivamente. Se levantaba tarde y frecuentaba las estaciones de radio, observando con humor todo y todos a su vuelta, hacían sambas y volvía a su casa de mañana.
Una vida difícil, poco dinero, una esposa en cas a su espera, una madre preocupada, manchas en sus dos pulmones. Noel murió en diciembre de 1936.
Su paso por la vida fue muy corto, murió de 26 años, dejando un equipaje de literatura musical riquísima, modernísima e inmortal de más de 230 músicas.
Noel Rosas fue un genio. Ningún cantor de Rio mejor que él.
Fuente: Emma Eberlein O. F. Lima, Cristián González Bergweiler, Tokiko Ishihara, Avenida Brasil 2, Editora, Pedagógica Universitária, Ltda., Sao Paulo, 1995.
Tradución de portuqués a español: Fidelina Ríos
lunes, 5 de septiembre de 2011
La Industria de la Música
La industria de la música es muy competitiva, acelerada e inestable. Los gustos cambian, los éxitos pasan de moda y aparecen nuevas preferencias y tecnologías que desplazan a las anteriores.
Los promotores andan siempre buscando una canción que guste. Llevar esa canción al número uno en las listas no es fácil. El camino suele ser muy difícil.
El compositor tiene por meta escribir letras que toquen las emociones de la gente, que estén en sintonía con sus esperanzas, sueños y sentimientos. El amor es el tema más popular. Muchos aspiran ha crear melodías que atrapen la atención del oyente y se quede en su memoria.
El contrato de grabación se logra si los ejecutivos de la disquera ven en la cinta de demostración que la canción del compositor tiene potencial, entonces le ofrecen comprar la canción.
El intérprete puede ser el compositor o puedes obtar por un cantante reconocido para que ejecute la canción.
El proceso de grabación inicia con un productor de experiencia aprueba la canción y el estilo, después contrata y supervisa todo el equipo, los arreglistas, copistas de partituras, músicos, coros, ingenieros de sonidos, todo lo necesario para producir un producto profesional y comerciable.
La grabación digital maestra es la primera impresión que se realiza al mezclar todos los sonidos y voces. En el estudio, todos los sonidos se graban por separado, iniciando por la batería, la guitarra, el bajo, el teclado, después las voces solistas, los coros y los efectos especiales.
Los videos clips son grabaciones o filmaciones de 3 a 5 minutos de duración que transmiten el mensaje de la canción y dan publicidad a los artistas.
Actuaciones en vivo se realizan para promocionar nuevos discos con giras y conciertos. Ya que es un hecho que venden más álbumes donde se presentan.
Página web personal se crean para tener un vínculo con el público. Contiene canciones, videos, fotografías, blogs, noticias sobre futuros conciertos, enlaces a clubes de admiradores y tiendas de música en línea.
El internet y los programas informáticos han revolucionado la industria. Hoy, los músicos pueden hacer grabaciones con calidad profesional en su casa y difundirla a una audiencia mundial.
Fuente: ¿Cómo se crea un éxito discográfico?, La Música y sus efectos, Despertad, Agosto, 2011.
Los promotores andan siempre buscando una canción que guste. Llevar esa canción al número uno en las listas no es fácil. El camino suele ser muy difícil.
El compositor tiene por meta escribir letras que toquen las emociones de la gente, que estén en sintonía con sus esperanzas, sueños y sentimientos. El amor es el tema más popular. Muchos aspiran ha crear melodías que atrapen la atención del oyente y se quede en su memoria.
El contrato de grabación se logra si los ejecutivos de la disquera ven en la cinta de demostración que la canción del compositor tiene potencial, entonces le ofrecen comprar la canción.
El intérprete puede ser el compositor o puedes obtar por un cantante reconocido para que ejecute la canción.
El proceso de grabación inicia con un productor de experiencia aprueba la canción y el estilo, después contrata y supervisa todo el equipo, los arreglistas, copistas de partituras, músicos, coros, ingenieros de sonidos, todo lo necesario para producir un producto profesional y comerciable.
La grabación digital maestra es la primera impresión que se realiza al mezclar todos los sonidos y voces. En el estudio, todos los sonidos se graban por separado, iniciando por la batería, la guitarra, el bajo, el teclado, después las voces solistas, los coros y los efectos especiales.
Los videos clips son grabaciones o filmaciones de 3 a 5 minutos de duración que transmiten el mensaje de la canción y dan publicidad a los artistas.
Actuaciones en vivo se realizan para promocionar nuevos discos con giras y conciertos. Ya que es un hecho que venden más álbumes donde se presentan.
Página web personal se crean para tener un vínculo con el público. Contiene canciones, videos, fotografías, blogs, noticias sobre futuros conciertos, enlaces a clubes de admiradores y tiendas de música en línea.
El internet y los programas informáticos han revolucionado la industria. Hoy, los músicos pueden hacer grabaciones con calidad profesional en su casa y difundirla a una audiencia mundial.
Fuente: ¿Cómo se crea un éxito discográfico?, La Música y sus efectos, Despertad, Agosto, 2011.
jueves, 1 de septiembre de 2011
La Poesía Épica
La poesía épica es relato de hechos grandiosos realizados por héroes históricos o legendarios, modelos de valentía y dignos de admiración por un pueblo. La épica es la poesía de lo objetivo, de lo exterior del poeta, pero posee pasajes con algunos rasgos de subjetividad cuando exagera las acciones de los héroes o en los momentos de expresión de sentimientos.
Los primeros poemas empezaban con un breve anuncio del asunto y la invocación a seres divinos. En la narración aparecían descripciones de lugares, objetos y personajes. Eran de gran extensión y se dividían en cantos.
La epopeya posee gran extensión y se divide en cantos, sus temas pueden ser la conquista de un lugar, la lucha contra el invasor extranjero, un reinado celebre, un mito religioso la visión resumida de la historia de un pueblo. Modelos de epopeyas la Ilíada, la odisea.
Poemas épicos surgieron más tarde como una imitación de las epopeyas. Fueron compuestos para la lectura y no para el canto.
Entre estos están: el poema heroico como la Eneida de Virgilio, que exalta a roma.; poemas caballerescos como Orlando furiosos, de Ludovico Ariosto, de la época renacentista; poemas religiosos como la Jerusalén libertada, de Torcuato Tasso y poemas épicos alegóricos y filosóficos, como la divina comedia de Dante.
A través de los tiempos fue evolucionando y extendiéndose por diferentes países, dando noticias de los hechos, de personajes, y de carácter político, religioso y social.
Los primeros poemas fueron escritos por poetas desconocidos y eran cantados o recitados en las plazas de las villas o en los palacios de los nobles.
En Grecia los poemas épicos se llamaban (rapsodas) y eran acompañados de la citara, los germanos le llamaban scopas, se acompañaba de arpas, en escandinava e Islandia eran los escaldas. Luego los poemas aparecieron por escrito, y algunos poetas recogieron obras anteriores y le dieron forma definitiva en la escritura.
Fuente: Fundación Loyola.org, http://www.fundacionloyola.org/pc/R78/descargas/Uno/Id/L623/POES%C3%8DA%2B%C3%89PICA.pdf, 1 de septiembre de 2011.
Los primeros poemas empezaban con un breve anuncio del asunto y la invocación a seres divinos. En la narración aparecían descripciones de lugares, objetos y personajes. Eran de gran extensión y se dividían en cantos.
La epopeya posee gran extensión y se divide en cantos, sus temas pueden ser la conquista de un lugar, la lucha contra el invasor extranjero, un reinado celebre, un mito religioso la visión resumida de la historia de un pueblo. Modelos de epopeyas la Ilíada, la odisea.
Poemas épicos surgieron más tarde como una imitación de las epopeyas. Fueron compuestos para la lectura y no para el canto.
Entre estos están: el poema heroico como la Eneida de Virgilio, que exalta a roma.; poemas caballerescos como Orlando furiosos, de Ludovico Ariosto, de la época renacentista; poemas religiosos como la Jerusalén libertada, de Torcuato Tasso y poemas épicos alegóricos y filosóficos, como la divina comedia de Dante.
A través de los tiempos fue evolucionando y extendiéndose por diferentes países, dando noticias de los hechos, de personajes, y de carácter político, religioso y social.
Los primeros poemas fueron escritos por poetas desconocidos y eran cantados o recitados en las plazas de las villas o en los palacios de los nobles.
En Grecia los poemas épicos se llamaban (rapsodas) y eran acompañados de la citara, los germanos le llamaban scopas, se acompañaba de arpas, en escandinava e Islandia eran los escaldas. Luego los poemas aparecieron por escrito, y algunos poetas recogieron obras anteriores y le dieron forma definitiva en la escritura.
Fuente: Fundación Loyola.org, http://www.fundacionloyola.org/pc/R78/descargas/Uno/Id/L623/POES%C3%8DA%2B%C3%89PICA.pdf, 1 de septiembre de 2011.
lunes, 29 de agosto de 2011
La Postura, parte de la Expresión Corporal
La postura es parte de la expresión corporal, es una posee que expresa al mundo como nos setimos en relación con los demás, con nuestra vida y con nosotros mismos.
Una buena postura es indispensable para vernos atractivos, esbeltos y jóvenes, ya que mantener una postura correcta le proporciona bienestar, soltura y elegancia, sin olvidar que podrá evitar dolores de espalda y cabeza.
Muchas personas tienden a pasar casi todo el día encorvado sobre su escritorio mientras sus músculos en la base del cuello luchan por mantener recto el cuerpo.
La postura que adoptemos al sentarnos o al andar puede alargar su silueta, haciendo que parezca más alto y también que muestre seguridad en sí mismo.
Para esto te recomiendo lo siguiente:
Mantén la barbilla elevada levantando la cabeza y manteniendo el cuello erguido.
Los hombros deben estar ligeramente echados hacia atrás y no encogidos, sin rigidez y los brazos relajados. Para que endereces la columna y el tórax.
La pelvis debe estar adelantada tensando los músculos abdominales. Para alargar tu cintura, haciendo que parezca más pequeña y además evita el encorvamiento de la espalda.
Los glúteos deben estar contraídos y peso trasladado hacia adelante hasta sentir el centro de gravedad sobre el eje del cuerpo.
Rodillas relajadas y pies paralelos y separados a un palmo. Para estirar perfectamente la columna vertebral.
Adopte una postura correcta contemplando su figura en un espejo y corrija sus fallas. Sin dare cuenta logrará una postura correcta automática, sin ningún esfuerzo.
Fuente: Terra, Portada Terra - Salud, http://www.terra.com/salud/articulo/html/sal4666.htm, 30 de agosto de 2011
Una buena postura es indispensable para vernos atractivos, esbeltos y jóvenes, ya que mantener una postura correcta le proporciona bienestar, soltura y elegancia, sin olvidar que podrá evitar dolores de espalda y cabeza.
Muchas personas tienden a pasar casi todo el día encorvado sobre su escritorio mientras sus músculos en la base del cuello luchan por mantener recto el cuerpo.
La postura que adoptemos al sentarnos o al andar puede alargar su silueta, haciendo que parezca más alto y también que muestre seguridad en sí mismo.
Para esto te recomiendo lo siguiente:
Mantén la barbilla elevada levantando la cabeza y manteniendo el cuello erguido.
Los hombros deben estar ligeramente echados hacia atrás y no encogidos, sin rigidez y los brazos relajados. Para que endereces la columna y el tórax.
La pelvis debe estar adelantada tensando los músculos abdominales. Para alargar tu cintura, haciendo que parezca más pequeña y además evita el encorvamiento de la espalda.
Los glúteos deben estar contraídos y peso trasladado hacia adelante hasta sentir el centro de gravedad sobre el eje del cuerpo.
Rodillas relajadas y pies paralelos y separados a un palmo. Para estirar perfectamente la columna vertebral.
Adopte una postura correcta contemplando su figura en un espejo y corrija sus fallas. Sin dare cuenta logrará una postura correcta automática, sin ningún esfuerzo.
Fuente: Terra, Portada Terra - Salud, http://www.terra.com/salud/articulo/html/sal4666.htm, 30 de agosto de 2011
martes, 16 de agosto de 2011
Origen de las Redes Sociales
El origen de las redes sociales se remonta, a 1995, cuando Randy Conrads crea el sitio web classmates.com. Con esta red social se pretende que la gente pueda recuperar o mantener el contacto con antiguos compañeros del colegio y de la universidad.
En 2002 comienzan a aparecer sitios web promocionando las redes de círculos de amigos en línea cuando el término se empleaba para describir las relaciones en las comunidades virtuales, y se hizo popular en 2003 con la llegada de sitios tales como MySpace o Xing. Hay más de 200 sitios de redes sociales, aunque Friendster ha sido uno de los que mejor ha sabido emplear la técnica del círculo de amigos[cita requerida]. La popularidad de estos sitios creció rápidamente y grandes compañías han entrado en el espacio de las redes sociales en Internet. Por ejemplo, Google lanzó Orkut el 22 de enero de 2004. Otros buscadores como KaZaZZ! y Yahoo crearon redes sociales en 2005.
En estas comunidades, un número inicial de participantes envían mensajes a miembros de su propia red social invitándoles a unirse al sitio. Los nuevos participantes repiten el proceso, creciendo el número total de miembros y los enlaces de la red. Los sitios ofrecen características como actualización automática de la libreta de direcciones, perfiles visibles, la capacidad de crear nuevos enlaces mediante servicios de presentación y otras maneras de conexión social en línea. Las redes sociales también pueden crearse en torno a las relaciones comerciales.
Las herramientas informáticas para potenciar la eficacia de las redes sociales online operan en tres ámbitos:
• Comunicación nos ayudan a poner en común conocimientos.
• Comunidad nos ayudan a encontrar e integrar comunidades.
• Cooperación nos ayudan a hacer cosas juntos.
El establecimiento combinado de contactos es una aproximación a la red social que combina elementos en línea y del mundo real para crear una mezcla de ambos complementandose.
Las redes sociales continúan avanzando en Internet a pasos agigantados, especialmente dentro de lo que se ha denominado Web 2.0 y Web 3.0, y dentro de ellas, cabe destacar un nuevo fenómeno que pretende ayudar al usuario en sus compras en Internet, convertirse en un lugar de consulta y compra. Un espacio en el que los usuarios pueden consultar todas las dudas que tienen sobre los productos en los que están interesados, leer opiniones y escribirlas, votar a sus productos favoritos, conocer gente con sus mismos intereses y comprar ese producto con un solo clic. Esta tendencia tiene nombre, se llama Shopping 2.0.
Fuente: Redes Sociales, Wikipedia, http://es.wikipedia.org/wiki/Red_social,
16 de agosto de 2011.
Imagen http://www.google.com/imgres?q=que+son+las+redes+sociales&um=1&hl=es&sa=N&biw=986&bih=560&tbm=isch&tbnid=50rvdGmxjHPs_M:&imgrefurl=http://www.cisco-pymes.com/tag/redes-sociales/&docid=nJNhRO8v12DEmM&w=320&h=320&ei=_eBKTqPJBOX00gHWwLHrBw&zoom=1&iact=hc&vpx=323&vpy=216&dur=3767&hovh=225&hovw=225&tx=130&ty=137&page=1&tbnh=131&tbnw=131&start=0&ndsp=12&ved=1t:429,r:5,s:0,
16 de agosto de 2011.
jueves, 11 de agosto de 2011
La Música
La música es el arte que emplea y combina los sonidos y los silencios de manera organizada para producir un efecto estético o anímico utilizando los principios fundamentales de la melodía, la armonía y el ritmo, mediante la intervención de complejos procesos psico-anímicos. Pieza producida con sonidos de la voz humana o de instrumentos agradable o armonioso al oído.
Si no existiera la música la vida sería muy aburrida porque no abrían canciones de cuna ni canciones populares ni serenatas ni sinfonías ni inspiradoras melodías.
La música incide prácticamente en todo: nos relaja y nos excita, nos eleva y nos inspira, nos llena de euforia y nos arranca lágrimas.
La música tiene una historia antiquísima. Hay pruebas arqueológicas de que siglos antes de nuestra era, ya las tribus de África tocaban cuernos, tambores y campanas. Los chinos tocaban una especie de zampoña y armónica. En Egipto, India, Israel y Mesopotamia utilizaban el arpa.
Hoy la música está al alcance de millones de personas con el simple toque de una techa o el clic de un ratón, puede grabarse o descargarse y reproducirse en aparatos que caben en el bolsillo.
Esta tendencia que se repite en otros lugares, ayuda a explicar por qué la música y las tecnologías relacionadas se han transformado en importantes productos comerciales.
Fuente: Música, Wikipedia,http://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%BAsica
28 de julio de 2011.
El don de la música, La Música y sus efectos, Despertad, Agosto, 2011.
Si no existiera la música la vida sería muy aburrida porque no abrían canciones de cuna ni canciones populares ni serenatas ni sinfonías ni inspiradoras melodías.
La música incide prácticamente en todo: nos relaja y nos excita, nos eleva y nos inspira, nos llena de euforia y nos arranca lágrimas.
La música tiene una historia antiquísima. Hay pruebas arqueológicas de que siglos antes de nuestra era, ya las tribus de África tocaban cuernos, tambores y campanas. Los chinos tocaban una especie de zampoña y armónica. En Egipto, India, Israel y Mesopotamia utilizaban el arpa.
Hoy la música está al alcance de millones de personas con el simple toque de una techa o el clic de un ratón, puede grabarse o descargarse y reproducirse en aparatos que caben en el bolsillo.
Esta tendencia que se repite en otros lugares, ayuda a explicar por qué la música y las tecnologías relacionadas se han transformado en importantes productos comerciales.
Fuente: Música, Wikipedia,http://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%BAsica
28 de julio de 2011.
El don de la música, La Música y sus efectos, Despertad, Agosto, 2011.
jueves, 28 de julio de 2011
La Poesía
La poesía es una de las formas y estilos literarios más antiguos que ha desarrollado el hombre. Una de las caracteristicas de la poesía es que otorga mayor importancia a la parte estética por sobre la estructura o el significado. Tal objetivo lo logra mediante el uso de innumerables recursos literarios que tienden a embellecer la forma de diversas maneras.
Gran parte de los documentos literarios de civilizaciones antiguas que nos llegan a nosotros están escritos en forma de poesía. Como las famosas e impresionantes obras griegas Ilíada y Odisea.
La poesía se caracteriza por imponer cierto ritmo al texto escrito. El ritmo poético es además acompañado por el uso de recursos tales como metáforas, comparaciones, onomatopeyas, ironías, elementos retóricos y otros que buscan dar un estilo particular y único a cada composición. Las formas más comunes de poesía en la tradición occidental son los sonetos, entre los cuales los de Shakespeare destacan.
Fuente: 16 de marzo de 2011
¿Qué es Poesia? ¿Qué es Poema?, Artigoo,
http://enciclopedia.us.es/images/2/2a/Willian_Shakespeare.jpg
28 de julio de 2011.
El Poema
El poema es una de las composiciones literarias más comunes junto con la novela y el drama. El término poema en la Antigüedad hacía referencia a cualquier tipo de composición literaria, ante el surgimiento de otras opciones, su nombre quedó relegado a las obras escritas en verso.
Los poemas han quedado relacionados mucho más que las demás formas literarias con la expresión del sentir más profundo y honesto del autor.
Los poemas han quedado relacionados mucho más que las demás formas literarias con la expresión del sentir más profundo y honesto del autor.
La representación concreta del estilo poético, tiene la característica de estar escrito en verso. Esto significa que debe contar con cierto ritmo y equilibrio, es una característica común que los versos sean de corta duración, con un importante uso de diversos recursos literarios.
La afluencia de emociones, sentimientos y sensaciones del que escribe está siempre presente, los poemas parecen haber perdido los elementos característicos de la poesía pero que aún buscan expresar diferentes sensaciones y experiencias.
Temas como la muerte, el amor, la desesperanza, el engaño, la felicidad, el honor, la fidelidad, anhelos de diverso tipo, sueños, temores y otros temas son los que normalmente se encuentran en los poemas.
Suelen estar organizados en diferentes tipos de acuerdo a la métrica de los versos: bisílabos, los que contienen dos, eneasílabos (de nueve sílabas), alejandrinos (catorce sílabas) y muchos otros.
Los versos más largos como los alejandrinos no son los más comunes ya que los poemas tienen la capacidad de expresar las ideas de manera breve y sintética.
Fuente: 16 de marzo de 2011,
¿Qué es Poesia? ¿Qué es Poema?, Artigoo,
martes, 26 de julio de 2011
La cinematografía
La cinematografía se basa en la técnica de la fotografía. Consiste en impresionar una película de acetato de celulosa mediante la filmación sucesiva de imágenes. La persistencia de las imágenes en la retina ocular, al proyectarse en la pantalla, más de catorce imágenes por segundo dan la sensación de movimiento.
El cine es una sucesión de imágenes organizadas para contar una historia. Recoge las técnicas de otras artes e incorpora varios códigos como: el icónico (la imagen), el cinético (movimiento), el verbal (la palabra) y el sonoro (música y efectos especiales).
La forma de expresión de una película se concreta en los siguientes elementos fundamentales:
Enfoque de planos: exige conocimientos técnicos para armonizar las distintas escenas que forman cada secuencia del filme. Así una imagen puede ser potenciada, debilitada o modificada de acuerdo con el ángulo de toma, que represente la intención comunicativa de la película.
El montaje: una vez filmado el material, se lleva al laboratorio donde se obtiene un negativo de las imágenes. Este negativo se positiva haciendo pasar la luz a través del negativo en contacto con la película virgen.
El montaje consiste en seleccionar, combinar y empalmar uno a uno los planos según lo previsto en el guión.
Sonorización: las imágenes pierden su exclusividad con la incorporación al cine de diálogos, música, ruidos y sonidos.
Los diálogos se pueden grabar simultáneamente con las imágenes.
Los ruidos de objetos o fenómenos de la naturaleza se pueden registrar durante la filmación o después del montaje.
La música ambiental o temas musicales son elementos que enriquecen o realzan el desarrollo de la acción narrativa.
Sincronización: lo que se ve y lo que se oye están registrados en bandas diferentes: la banda visiva y la banda sonora. Estas deben presentarse a un mismo tiempo.
Una vez realizado el montaje completo de la película se reúnen las diferentes bandas sonoras en una sola cinta (banda mezcla), la cual se graba ópticamente sobre la película que contiene las imágenes del filme. El último proceso es imprimir la primera copia (copión) que es la película en sí.
Fuente: Cecilia Villabona de Rodríquez, Rubiela Palonía Vargas, Andrés Elías Flórez, Español Noveno, Premedia de Básica General, Maya Ediciones, Quito, Ecuador, 2006.
El cine es una sucesión de imágenes organizadas para contar una historia. Recoge las técnicas de otras artes e incorpora varios códigos como: el icónico (la imagen), el cinético (movimiento), el verbal (la palabra) y el sonoro (música y efectos especiales).
La forma de expresión de una película se concreta en los siguientes elementos fundamentales:
Enfoque de planos: exige conocimientos técnicos para armonizar las distintas escenas que forman cada secuencia del filme. Así una imagen puede ser potenciada, debilitada o modificada de acuerdo con el ángulo de toma, que represente la intención comunicativa de la película.
El montaje: una vez filmado el material, se lleva al laboratorio donde se obtiene un negativo de las imágenes. Este negativo se positiva haciendo pasar la luz a través del negativo en contacto con la película virgen.
El montaje consiste en seleccionar, combinar y empalmar uno a uno los planos según lo previsto en el guión.
Sonorización: las imágenes pierden su exclusividad con la incorporación al cine de diálogos, música, ruidos y sonidos.
Los diálogos se pueden grabar simultáneamente con las imágenes.
Los ruidos de objetos o fenómenos de la naturaleza se pueden registrar durante la filmación o después del montaje.
La música ambiental o temas musicales son elementos que enriquecen o realzan el desarrollo de la acción narrativa.
Sincronización: lo que se ve y lo que se oye están registrados en bandas diferentes: la banda visiva y la banda sonora. Estas deben presentarse a un mismo tiempo.
Una vez realizado el montaje completo de la película se reúnen las diferentes bandas sonoras en una sola cinta (banda mezcla), la cual se graba ópticamente sobre la película que contiene las imágenes del filme. El último proceso es imprimir la primera copia (copión) que es la película en sí.
Fuente: Cecilia Villabona de Rodríquez, Rubiela Palonía Vargas, Andrés Elías Flórez, Español Noveno, Premedia de Básica General, Maya Ediciones, Quito, Ecuador, 2006.
lunes, 18 de julio de 2011
La Historieta o Tira Cómica
La historieta o tira cómica es una serie de dibujos que constituye un relato, con texto o sin él. Es una narrativa gráfica como un arte secuencial, con ilustraciones yuxtapuestas y otras imágenes en secuencia deliberada con el propósito de transmitir información u obtener una respuesta estética del lector.
En los años 60 del pasado siglo se asiste a su reivindicación artística, de tal forma que Morris y luego Francis Lacassin han propuesto considerarlo como el noveno arte, aunque en realidad sea anterior a aquellas disciplinas a las que habitualmente se les atribuyen las condiciones de octavo (fotografía) y séptimo (cine). Seguramente, sean este último medio y la literatura los que más la hayan influido, pero no hay que olvidar tampoco a la publicidad, el diseño, la moda y, el cine.
Las historietas suelen realizarse sobre papel, o en forma digital (e-comic o webcómics), pudiendo constituir una simple tira en la prensa, una página completa, una revista o un libro. Han sido cultivadas en casi todos los países y abordan multitud de géneros. Al profesional o aficionado que las redacta, dibuja, rotula o colorea se le conoce como historietista.
Lenguaje grafico: se divide en los siguiente aspectos:
• Viñeta: unidad básica de la historia. Planos que acercan o alejan a las personas u objetos.
• Globos o bocadillos: zona reservada para el texto.
• Cartuchos: rectangular reservado para la voz del narrador.
• Metáforas visuales: signos que expresan simbólicamente, el estado físico o anímico del personaje.
• Gestos: reproducen la reacción de los personajes ante acontecimientos que se van presentando en la acción.
• Líneas de movimiento: movimiento o desplazamiento de una persona, animal o cosa.
Los estilos gráficos usados por los historietistas son tan variados como la intención y la habilidad del autor, distribuyéndose éstos dentro un triángulo formado por tres vértices (abstracción, realidad y lenguaje).
En una misma viñeta pueden combinarse además varios estilos. McCloud denomina efecto máscara a la combinación de unos personajes caricaturescos con un entorno realista que podemos observar en la línea clara o el manga clásico.
Lenguaje verbal: representación grafica del habla, pensamiento y sonidos.
• Onomatopeyas: imitan los sonidos de la naturaleza o de los producidos por la acción de los personajes.
El texto suele estar presente, ya sea en forma de globos, cartelas, textos sueltos y onomatopeyas. Las palabras dichas por los personajes suelen recogerse en los globos, salvo que se presenten fuera para indicar que han subido el tono de voz.
Todos los textos suelen estar escritos en mayúsculas y las diferencias tipográficas, de tamaño y grosor sirven para destacar una palabra o frase, y matizar intensidades de voz.
Pueden distinguirse los siguientes formatos de publicación:
• Tira de prensa: compuesta por una franja horizontal de tres o más viñetas.
• La página: compila varias tiras o presentar una sola, desplegada a toda página y color.
• La revista de historietas: con grapa y a veces forma de cuaderno, que presenta una o varias historietas.
• El libro, que se concreta en Álbum de historietas, Novela gráfica y Tankōbon en las tradiciones franco-belga, estadounidense y japonesa.
• Digitales: E-comic, webcomics, etc.
Tanto los propios cómics como sus originales son objeto de un activo coleccionismo.
Fuente: Texto: Historieta, http://es.wikipedia.org/wiki/Historieta
18 de julio de 2011
Imagen: http://www.google.com/imgres?imgurl=http://lh6.ggpht.com/jpcamarda265/SGJCxLkHhvI/AAAAAAAAAjo/PoLnJJfHLIA/majo.jpg&imgrefurl=http://www.taringa.net/posts/links/1407997/revista-de-historietas-y-literatura-mendocina.html,
18 de julio de 2011
miércoles, 29 de junio de 2011
El Arte de la Música a través de la Historia
El arte de la música a través de la historia presenta diferentes estilos que son característica de una época y de una sociedad determinada; Estos estilos son los siguientes: románico, gótico, renacentista, barroco, clásico, romántico, impresionista, expresionista. Cada uno de estos estilos tienen sus propias características que son: que tienen su propio medio de expresión, que tienen sus propias leyes y disciplina y que tienen su propio colorido y dinámica.
La historia de la música puede dividirse en tres grandes períodos:
Período Monofónico transcurre durante la edad media tiene sus raíces en la cultura griega y la cultura hebrea; Los griegos aportaron su complicado pero importante sistema; Los hebreos aportaron su esplendido y enorme repertorio melódico y la habilidad en la ejecución de los instrumentos musicales.
La música durante la edad media era arte de toda ceremonia religiosa o de carácter cívico. Fue en el siglo IV cuando el emperador Constantino les concedió la libertad de culto a los cristianos.
El canto litúrgico es una declamación cantada del texto sagrado cuya síntesis depende exclusivamente del verso; No hay ritmo propiamente dicho ya que este depende de la letra que se canta.
La iglesia católica permitió solo en el siglo XI la introducción del órgano en el recinto sagrado; Esta es una de las tantas razones por las cuales el canto monofónico (a capela) o sea de una sola línea melódica y sin acompañamiento instrumental, fue la expresión musical por excelencia durante un periodo de 1000 años aproximadamente.
Periodo Homo fónico puede dividirse en tres épocas, en cada una de las cuales prevaleció un tipo de canto diferente:
Canto Siríaco: este canto tiene suma importancia en el desarrollo posterior del canto litúrgico cristiano, desafortunadamente no se conocen manuscritos antiguos en los que aparezca alguna notación musical, habiendo llegado únicamente a través de la tradición oral.
Canto Ambrosiano: un aspecto que, aunque religioso, fue de mucho importancia en el desarrollo de este canto. Fue una formas de que se valió Arrio para transmitir sus ideas religiosas a sus seguidores fue a través del canto. La forma arriana de cantarlos fue descrita como estridente y tosca. Los escritos y fuentes musicales fueron destruidos cuando fue desterrada la herejía arriana en el año 325 por el Concilio de Nicea.
Canto Gregoriano: música litúrgica cristiana, fijada y reglamentada por el Papa Gregorio El Magno, quien recogió las melodías empleadas en las diferentes partes del joven mundo cristiano y después de someterlas a un criterio unificador las declaró la única música oficial de la Iglesia.
Existen dos tipos básicos: el canto responsorial, utilizado para cantar los salmos; y el canto anti fónico, que se entonaba en forma de canto alterno pero de una forma más melódica. En el Canto Gregoriano, los dos coros de éste último tipo de canto eran formados por hombres.
Periodo Polifónico: supone una importante revolución en lo que hasta entonces había sido el canto gregoriano. La Iglesia no había admitido los acordes en sus composiciones y todas ellas tenían la misma voz; carecían de los matices de diferentes voces. El Ars Nova permite fijar las notas y admite acordes.
La figura más relevante en esta época es Guillaume de Machaut. Supone un puente entre la antigua tradición y la nueva etapa polifónica. Su obra de capital importancia es la Misa de Notre-Dame de París. Machaut es el primero en componer una misa mediante frases fundamentales que, al unirse en las distintas partes, crean la gran estructura y armazón de la obra entera.
Tras este afianzamiento del nuevo arte empezará un trasiego de artistas y músicos por toda Europa que ejercerán sus influencias. La polifonía franco-flamenca rige la música europea con las figuras de Johannes Ockeghem y Jacob Obrecht (1430-1505). Las composiciones de Ockeghem se cree que estaban reservadas a la élite intelectual de su tiempo. Ockeghem poseía una magnífica voz de bajo profundo y en sus composiciones añadió muchas de estas voces. La técnica del contrapunto o la concordancia armónica de voces contrapuestas alcanza un gran nivel. Las arquitecturas sonoras llegan a ser complejas y el sentido de los textos se pierde.
Fuente: Historia de la música, Jorge Abdhull Pérez, http://maestro-abdhull-1.blogia.com/2009/060404-periodo-homofonico.php
Música y Polifonía, Arrakis Bosch, http://www.arrakis.es/~j.bosch/musica.html
20 de junio de 2011
La historia de la música puede dividirse en tres grandes períodos:
Período Monofónico transcurre durante la edad media tiene sus raíces en la cultura griega y la cultura hebrea; Los griegos aportaron su complicado pero importante sistema; Los hebreos aportaron su esplendido y enorme repertorio melódico y la habilidad en la ejecución de los instrumentos musicales.
La música durante la edad media era arte de toda ceremonia religiosa o de carácter cívico. Fue en el siglo IV cuando el emperador Constantino les concedió la libertad de culto a los cristianos.
El canto litúrgico es una declamación cantada del texto sagrado cuya síntesis depende exclusivamente del verso; No hay ritmo propiamente dicho ya que este depende de la letra que se canta.
La iglesia católica permitió solo en el siglo XI la introducción del órgano en el recinto sagrado; Esta es una de las tantas razones por las cuales el canto monofónico (a capela) o sea de una sola línea melódica y sin acompañamiento instrumental, fue la expresión musical por excelencia durante un periodo de 1000 años aproximadamente.
Periodo Homo fónico puede dividirse en tres épocas, en cada una de las cuales prevaleció un tipo de canto diferente:
Canto Siríaco: este canto tiene suma importancia en el desarrollo posterior del canto litúrgico cristiano, desafortunadamente no se conocen manuscritos antiguos en los que aparezca alguna notación musical, habiendo llegado únicamente a través de la tradición oral.
Canto Ambrosiano: un aspecto que, aunque religioso, fue de mucho importancia en el desarrollo de este canto. Fue una formas de que se valió Arrio para transmitir sus ideas religiosas a sus seguidores fue a través del canto. La forma arriana de cantarlos fue descrita como estridente y tosca. Los escritos y fuentes musicales fueron destruidos cuando fue desterrada la herejía arriana en el año 325 por el Concilio de Nicea.
Canto Gregoriano: música litúrgica cristiana, fijada y reglamentada por el Papa Gregorio El Magno, quien recogió las melodías empleadas en las diferentes partes del joven mundo cristiano y después de someterlas a un criterio unificador las declaró la única música oficial de la Iglesia.
Existen dos tipos básicos: el canto responsorial, utilizado para cantar los salmos; y el canto anti fónico, que se entonaba en forma de canto alterno pero de una forma más melódica. En el Canto Gregoriano, los dos coros de éste último tipo de canto eran formados por hombres.
Periodo Polifónico: supone una importante revolución en lo que hasta entonces había sido el canto gregoriano. La Iglesia no había admitido los acordes en sus composiciones y todas ellas tenían la misma voz; carecían de los matices de diferentes voces. El Ars Nova permite fijar las notas y admite acordes.
La figura más relevante en esta época es Guillaume de Machaut. Supone un puente entre la antigua tradición y la nueva etapa polifónica. Su obra de capital importancia es la Misa de Notre-Dame de París. Machaut es el primero en componer una misa mediante frases fundamentales que, al unirse en las distintas partes, crean la gran estructura y armazón de la obra entera.
Tras este afianzamiento del nuevo arte empezará un trasiego de artistas y músicos por toda Europa que ejercerán sus influencias. La polifonía franco-flamenca rige la música europea con las figuras de Johannes Ockeghem y Jacob Obrecht (1430-1505). Las composiciones de Ockeghem se cree que estaban reservadas a la élite intelectual de su tiempo. Ockeghem poseía una magnífica voz de bajo profundo y en sus composiciones añadió muchas de estas voces. La técnica del contrapunto o la concordancia armónica de voces contrapuestas alcanza un gran nivel. Las arquitecturas sonoras llegan a ser complejas y el sentido de los textos se pierde.
Fuente: Historia de la música, Jorge Abdhull Pérez, http://maestro-abdhull-1.blogia.com/2009/060404-periodo-homofonico.php
Música y Polifonía, Arrakis Bosch, http://www.arrakis.es/~j.bosch/musica.html
20 de junio de 2011
domingo, 12 de junio de 2011
jueves, 17 de marzo de 2011
Arquitectura Minimalista
El concepto de minimalismo proviene por una tendencia donde se rescata el concepto de lo "minimo". Mies Van Der Rohe fue el pionero en esta tendencia al proponer su famosa frase: "less is more" o "menos es mas" de ahi deriva el termino y la tendencia de conseguir mucho con lo minimo indispensable.
El minimalismo es la tendencia de reducir a lo esencial, sin elementos decorativos sobrantes, para sobresalir por su geometria y su simpleza. Es la recta, las transparencias, las texturas, es la funcionalidad y la espacialidad, es la luz y el entorno.
La Arquitectura minimalista se expande con gran rapidez, gracias a la simpleza de sus lineas. Una arquitectura simbolo de lo moderno que utiliza la geometria elemental de las formas y todo un conjunto de materiales naturales.
Usa una economica del lenguaje y los medios, austeridad y sencillez en respuesta al momento actual. Por ello las fachadas minimalistas son protagonistas por ellas mismas y no por una decoración recargada.
Y el uso de la luz y la espacialidad son muy particulares en este estilo. La armonia de materiales y formas distinguen a esta corriente presente en todas las manifestaciones del arte.
En todas las fachadas sobresalen las lineas rectas y bloques de formas puras y simples. Desde el color se tiende a la monocromia de tonos suaves predominando el blanco y el crudo. Siempre creando contrastes de materiales y texturas diferentes.
Utiliza ambientes monocromáticos como usar un tono más subido que el resto de la ambientación, aunque no permite cambios tan osados como colores brillantes o muy alejados de los neutros (marrones, beiges, tostados).
Fuente: 17 de marzo de 2011, La Arquitectura Minimalista, simbolo de lo moderno, Arquigrafico,
http://www.arquigrafico.com/la-arquitectura-minimalista-simbolo-de-lo-moderno
Imagen: 17 de marzo de 2011, Revestimiento de Piedra en Casa Minimalista, defachada.com, http://www.defachadas.com/fachadas-minimalistas/revestimiento-de-piedra-en-casa-minimalista/
lunes, 14 de marzo de 2011
Aspectos de la Oratoria
La lectura precisa es leer en voz alta exactamente lo que está escrito; no omitir palabras ni letras, ni los signos de puntuación para transmitir la información con exactitud.
La articulación clara es pronunciar las palabras de modo que se distingan netamente los sonidos con buena dicción, con suficiente volumen y a un ritmo moderado.
La pronunciación correcta es decir bien las palabras, articularlas con los sonidos adecuados y pronunciar con mayor intensidad la sílaba que corresponda.
La fluidez es leer y hablar de modo que las palabras y las ideas broten con facilidad y naturalidad.
El uso adecuado de las pausas es hacer interrupciones de duración variable en puntos convenientes del discurso. El uso acerado de las pausas es fundamental para la buena comprensión del lenguaje hablado.
El énfasis acertado es realzar con la voz palabras y expresiones de manera que los oyentes capten fácilmente las ideas comunicadas. Ayuda a retener la atención del auditorio, además de conmoverlo y motivarlo.
El énfasis en las idea principales es destacar los conceptos claves de todo el escrito y no solo determinadas palabras en las oraciones. Para lograr que recuerden el mensaje.
El volumen adecuado es hablar con la suficiente intensidad de voz. Se determina según: el tamaño y las características del auditorio, los ruidos que distraen la atención, el tema que se está tratando y su objetivo.
Razones para subir el volumen: mantener atento a un grupo grande, contrarrestar las distracciones y captar la atención de los oyentes cuando se dice algo muy importante.
La modulación es variar el sonido de la voz para dar vida al discurso, despertar sentimientos e incitar a actuar. Graduar el volumen y el ritmo, decir los datos secundarios más rápidos y los datos importantes más despacio.
El entusiasmo es expresarse con viveza o intensidad de sentimiento por estar completamente convencido del valor de lo que se dice.
El afecto y otros sentimientos es hablar de modo que refleje los sentimientos y estar en consonancia con lo que se dice. El tono de voz como sus expresiones faciales deben reflejar el sentimiento que sea adecuado a la información.
Los ademanes y expresiones faciales son los movimientos que realizamos con las manos, los hombros o el cuerpo entero, a fin de expresar ideas, estados de ánimo o actitudes. Mover los ojos y la boca así como inclinar la cabeza, para reforzar lo que se dice y transmitir sentimientos.
El contacto visual es mirar por unos instantes los ojos de quienes le están escuchando.
Fuente: imagen tomada de 123RF, http://es.123rf.com/photo_11660746_ilustracion-vectorial-de-microfono-en-el-fondo-blanco.html, 22 de febrero de 2013.
martes, 1 de marzo de 2011
Breve Historia de la Actuación
Recientes investigaciones han llegado a la conclusión de que las primeras manifestaciones del arte de la actuación surgen en Grecia, cuando se realizaban ritos en que los sacerdotes encarnaban a los dioses para explicar al pueblo el significado de sus enseñanzas y órdenes.
El primer actor del que se tiene conocimiento escrito fue el griego Tespis, que actuó en el Teatro Dionisio en el año 534 a. C. En el escenario, Tespis habló en primera persona, interpretando de esta manera a un personaje. Hasta entonces ya se habían narrado historias ante una audiencia, pero siempre en tercera persona y, además, de forma cantada.
La profesionalización de la actuación se inició en Europa en el siglo XVI; en Italia, con las primeras compañías profesionales de Commedia del Arte; en Inglaterra, con las compañías protegidas por la nobleza en tiempos de la reina Isabel (como la Lord Chamberlains Mens, compañía de Shakespeare); en Francia con la Comedie Françainse.
Hasta el siglo XVII los actores sólo podían ser hombres. Se consideraba algo de mal gusto que una mujer actuase en un escenario. Así, en la época de Shakespearelos papeles femeninos eran interpretados por hombres. Fue en los teatros de Venecia donde se produjo el cambio que permitió a las mujeres realizar interpretaciones teatrales.
Fuente: 23 de febrero de 2011, Actuacion, Wikipedia, http://es.wikipedia.org/wiki/Actuaci%C3%B3n
El primer actor del que se tiene conocimiento escrito fue el griego Tespis, que actuó en el Teatro Dionisio en el año 534 a. C. En el escenario, Tespis habló en primera persona, interpretando de esta manera a un personaje. Hasta entonces ya se habían narrado historias ante una audiencia, pero siempre en tercera persona y, además, de forma cantada.
La profesionalización de la actuación se inició en Europa en el siglo XVI; en Italia, con las primeras compañías profesionales de Commedia del Arte; en Inglaterra, con las compañías protegidas por la nobleza en tiempos de la reina Isabel (como la Lord Chamberlains Mens, compañía de Shakespeare); en Francia con la Comedie Françainse.
Hasta el siglo XVII los actores sólo podían ser hombres. Se consideraba algo de mal gusto que una mujer actuase en un escenario. Así, en la época de Shakespearelos papeles femeninos eran interpretados por hombres. Fue en los teatros de Venecia donde se produjo el cambio que permitió a las mujeres realizar interpretaciones teatrales.
Fuente: 23 de febrero de 2011, Actuacion, Wikipedia, http://es.wikipedia.org/wiki/Actuaci%C3%B3n
viernes, 25 de febrero de 2011
La Pantomima
Sir Charles Spencer Chaplin (n. Inglaterra, 1889 – m. Suiza, 1977) fue un actor, compositor, productor y director cinematográfico mejor conocido por sus interpretaciones en el cine mudo.
Es una forma frecuente de arte callejero, generalmente de forma individual. Los mimos suelen simular con sus gestos sonidos, cosas o personas que no existen realmente. Esto puede dar lugar a coreografías muy elaboradas.
Los primeros mimos occidentales aparecieron en los teatros de Grecia y Roma en el siglo V a. C.. La mínica era un importante elemento en los teatros de la época, donde buena parte del público no podía oír a los actores. Durante la Edad Media, este arte practicamente desapareció de Europa.
En el siglo XVI aparece en Italia la "Comedia del arte", en forma de teatro improvisado que tuvo gran éxito por toda Europa, especialmente al surgir Arlequín.
Dentro del cine mudo surgieron un gran número de mimos excepcionales, como Charles Chaplin.
En la historieta, singularmente en los países nórdicos, también se ha desarrollado con éxito la pantomima. Como explica Salvador Vázquez de Parga, un tipo de cómic humorístico que invita a la reflexión, al absurdo y que huye de los primeros planos como para destacar la monotonía de la vida cotidiana quebrada sólo por minúsculos accidentes.
Imagen: 14 de febrero de 2011, Aquelarre de Brujas Buenas, http://www.google.com/imgres?imgurl=http://2.bp.blogspot.com/_J4LJ8aCXwKM/S_R5KJ-_vaI/AAAAAAAAC0I/Vqro01Aejbc/s1600/charlie-chaplin.jpg&imgrefurl=http://brujasbuenas.blogspot.com/2010/05/chaplin-y-su-participacion-en-un.html&usg=__isqO_Ysq7Hs5vxIiiQDbXlc3Gmo=&h=1488&w=1190&sz=226&hl=es&start=2&zoom=1&um=1&itbs=1&tbnid=E2rG4shIAHkcuM:&tbnh=150&tbnw=120&prev=/images%3Fq%3Dfoto%2Bde%2Bcharle%2Bchaplin%26um%3D1%26hl%3Des%26sa%3DN%26tbs%3Disch:1&ei=8pZZTYGiDsL6lwf2p9jxBg
miércoles, 23 de febrero de 2011
La Comedia
La comedia es un género dramático que se caracteriza porque sus personajes protagonistas se ven enfrentados a las dificultades de la vida cotidiana, movidos por sus propios defectos hacia desenlaces felices donde se hace escarnio de la debilidad humana. La comedia se origina en el mundo griego, pero se va desarrollando a lo largo del medievo y la edad moderna, hasta llegar a nuestros días.
Como los demás géneros dramáticos, la comedia está determinada por la acción dramática del personaje protagonista; de ahí que no sea extraño encontrar personajes con un rol trágico en obras de teatro cómicas, siempre y cuando estos sean, por decirlo de algún modo, personajes secundarios.
Como características, el personaje protagonista suele ser común y corriente y representar un arquetipo, es decir mentiroso, charlatán, pícaro, etcétera; es también crédulo e inconsciente y esto es un obstáculo para el personaje.
Por ello, su conflicto dramático suele ser, las más de las veces, con la sociedad, además de consigo mismo, por lo que lucha por superar los obstáculos que le impiden realizarse consigo mismo o con esa misma sociedad.
Como género cinematográfico implica que el desarrollo de argumentos se hace en tono jocoso y que por lo general acaban de forma feliz. En él se proponen episodios de la vida cotidiana tocados con la varita del humor, o situaciones absurdas de poca credibilidad pero que se prestan al juego humorístico.
Fuente: 14 de febrero de 2011, Comedia, Wikipedia, http://es.wikipedia.org/wiki/Comedia
Imagen: 14 de febrero de 2011, Película 20, http://www.google.com/imgres?imgurl=http://pelicula20.com/Img_Peliculas/La_mascara1.jpg&imgrefurl=http://pelicula20.com/busqueda/mascara/&usg=__CoeEYVZIooiyRbYN0VnA15WgUYM=&h=877&w=620&sz=79&hl=es&start=2&zoom=1&um=1&itbs=1&tbnid=8oc4USgCEPvzLM:&tbnh=146&tbnw=103&prev=/images%3Fq%3Dfoto%2Bde%2Bla%2Bpelicula%2Bla%2Bmascara%26um%3D1%26hl%3Des%26tbs%3Disch:1&ei=NJlZTeGvJsWBlAfD5JTuBg
Como los demás géneros dramáticos, la comedia está determinada por la acción dramática del personaje protagonista; de ahí que no sea extraño encontrar personajes con un rol trágico en obras de teatro cómicas, siempre y cuando estos sean, por decirlo de algún modo, personajes secundarios.
Como características, el personaje protagonista suele ser común y corriente y representar un arquetipo, es decir mentiroso, charlatán, pícaro, etcétera; es también crédulo e inconsciente y esto es un obstáculo para el personaje.
Por ello, su conflicto dramático suele ser, las más de las veces, con la sociedad, además de consigo mismo, por lo que lucha por superar los obstáculos que le impiden realizarse consigo mismo o con esa misma sociedad.
Como género cinematográfico implica que el desarrollo de argumentos se hace en tono jocoso y que por lo general acaban de forma feliz. En él se proponen episodios de la vida cotidiana tocados con la varita del humor, o situaciones absurdas de poca credibilidad pero que se prestan al juego humorístico.
Ejemplos de diferentes tipos de comedias:
Comedia animada, la saga La máscara.
Comedia romántica, El secreto de vivir (1936) de Frank Capra
Comedia burlesca, La quimera del oro (1925) de Charles Chaplin
Comedia sofisticada, Todo lo que quiso saber sobre el sexo y no se atrevió a preguntar (1972) de Woody Allen
Parodias, Casino Royale (1967) con Woody Allen.
Fuente: 14 de febrero de 2011, Comedia, Wikipedia, http://es.wikipedia.org/wiki/Comedia
Imagen: 14 de febrero de 2011, Película 20, http://www.google.com/imgres?imgurl=http://pelicula20.com/Img_Peliculas/La_mascara1.jpg&imgrefurl=http://pelicula20.com/busqueda/mascara/&usg=__CoeEYVZIooiyRbYN0VnA15WgUYM=&h=877&w=620&sz=79&hl=es&start=2&zoom=1&um=1&itbs=1&tbnid=8oc4USgCEPvzLM:&tbnh=146&tbnw=103&prev=/images%3Fq%3Dfoto%2Bde%2Bla%2Bpelicula%2Bla%2Bmascara%26um%3D1%26hl%3Des%26tbs%3Disch:1&ei=NJlZTeGvJsWBlAfD5JTuBg
miércoles, 16 de febrero de 2011
Expresión Corporal
La expresión corporal hace referencia al
La Expresión Corporal proviene del concepto de Danza Libre: es una metodología para organizar el movimiento de manera personal y creativa, constituyéndolo en un lenguaje posible de ser desarrollado a través del estudio de los componentes del movimiento, del cuerpo propio y de los múltiples modos de estructuración del movimiento en el tiempo y el espacio .
El lenguaje corporal adquiere así la función de "lenguaje": propio de movimientos que, organizados en una unidad significativa de forma-contenido permita transmitir, al igual que otros lenguajes artísticos, ideas, emociones y sensaciones personales y subjetivas, en este caso, el producto es una danza.
Nuestras emociones se ven influidas por otras personas sin necesidad de decir una sola palabra, pues puede bastar una determinada postura, mirada y gesticulación para hacernos sentir nerviosos o enfadados, o bien alegres y optimistas. Esto no quiere decir que nuestro interlocutor vaya a captar toda la información que estamos transmitiendo; el grado en que lo haga dependerá de lo bueno que sea al interpretar este lenguaje y de la atención que nos esté prestando.
Con los desconocidos nos comunicamos principalmente a través de los ojos. Por ejemplo, cuando vamos caminando por un pasillo estrecho y nos encontramos con alguien de frente, si primero no le miramos a los ojos, lo más probable es que ambos acabemos manteniendo una especie de baile a derecha e izquierda hasta aclararse. En otras ocasiones, los mensajes son confusos debido que se pueden estar transmitiendo varias emociones a la vez, como rabia, miedo y ansiedad , que a veces aparecen unidas.
Fuente: Texto: 9 de febrero de 2011, Expresión Corporal, Monografías.com,
Fuente: Texto: 9 de febrero de 2011, Expresión Corporal, Monografías.com,
Video: 16 de febrero de 2011, Expresión Corporal, Camilitamuro, http://www.youtube.com/watch?v=5gyf7W-KlJE
lunes, 14 de febrero de 2011
Un Poema Para Enamorar de Fabián Ruiz
Deja caer ese orgullo en el olvido,
libera la emoción en sensual entrega,
y en el místico roce de la piel nueva,
hechizaré suavemente tus sentidos.
Entregate, mas no me des nada...
Envenéname de ilusión controlada,
inúndame de necesidad infinita,
de sentirme tuyo, de sentirte mía...
¡Deja el deseo libre inflamando la piel
y el amor salvaje se rinda a tus pies!
Acércate, pero hazlo muy lentamente...
dame un instante que dure siempre.
¡Brilla con ese brillo de lo inalcanzable,
deja fluir de tu esencia lo más deseable,
ponle tu mágico e inconfundible sello
y mátame de pasión en un eterno beso!
EL autor de este poema Fabián Ruiz es oriundo de Argentina y nacido un día 5 de noviembre, ya ha cumplido los cuarenta y seis años de edad.
Por estos tiempos reparte su vida entre su hija, el diseño de páginas web y el desarrollo de nuevas creatividades románticas.
Fuente: Texto: 9 de febrero de 2011, Fabián Ruiz, Un Poema Para Enamorar, del libro poemasdeamor.com.ar: En la piel de tus deseos, Editorial: Librosenred, 2005.
Por estos tiempos reparte su vida entre su hija, el diseño de páginas web y el desarrollo de nuevas creatividades románticas.
Fuente: Texto: 9 de febrero de 2011, Fabián Ruiz, Un Poema Para Enamorar, del libro poemasdeamor.com.ar: En la piel de tus deseos, Editorial: Librosenred, 2005.
Imagen: 9 de febrero de 2011, Imagenes de Parejas, http://www.imagenesdamor.com/imagenes-de-parejas.html
miércoles, 9 de febrero de 2011
El Discurso
El discurso es la exposición oral de alguna extensión hecha generalmente con el fin de persuadir, y que ella como dijimos se encuentra conformada por tres aspectos que son: tema o contenido del discurso, orador y auditorio.
El discurso tiene tres partes que son: la introducción que debe captar la atención, orientar sobre el tema y preparar a los oyentes para el discurso, el desarrollo que comprende el 75% de la información del tema o investigación y la conclusión que es un repaso de las ideas más importantes y además proporcionar un cierre con una afirmación final atractiva.
La fase de inhibición que atraviesan muchos oradores o actores es penosa al inicio del discurso o al principio de la entrada en escena.
Para evitar el pánico escénico debemos: respirar y relajarse antes de subir a la tribuna y subir rápidamente no hablar con el estomago vació ni lleno, ejercitarse en tomar la palabra frecuentemente para adquirir facilidad, naturalidad y dominio de si hasta que el hábito de una actitud tranquila haya neutralizado la ansiedad.
Debemos recordar que un discurso es eficaz cuando el expositor conoce bien el tema, mantiene contacto visual con su auditorio, emplea influciones de voz y se mueve con naturalidad.
El discurso tiene tres partes que son: la introducción que debe captar la atención, orientar sobre el tema y preparar a los oyentes para el discurso, el desarrollo que comprende el 75% de la información del tema o investigación y la conclusión que es un repaso de las ideas más importantes y además proporcionar un cierre con una afirmación final atractiva.
La fase de inhibición que atraviesan muchos oradores o actores es penosa al inicio del discurso o al principio de la entrada en escena.
Para evitar el pánico escénico debemos: respirar y relajarse antes de subir a la tribuna y subir rápidamente no hablar con el estomago vació ni lleno, ejercitarse en tomar la palabra frecuentemente para adquirir facilidad, naturalidad y dominio de si hasta que el hábito de una actitud tranquila haya neutralizado la ansiedad.
Debemos recordar que un discurso es eficaz cuando el expositor conoce bien el tema, mantiene contacto visual con su auditorio, emplea influciones de voz y se mueve con naturalidad.
domingo, 6 de febrero de 2011
Inicio a la Actuación
La interpretación de un personaje puede tornarse compleja, pero en realidad el proceso es muy simple. Si analizamos la capacidad inherente del ser humano de representar situaciones, sentimientos y de camuflajear su realidad emocional y corporal podemos llegar a la conclusión que todos somos potencialmente actores.
La diferencia entre nosotros actores de nuestra vida y la interpretación de un personaje es que al representar a un personaje ya el proceso no se da de forma inconsciente, sino dirigida. Ya no estaríamos racionando a estímulos inesperados, por el contrario manejaríamos toda una gama de información histórica, objetivos, marcaciones, situaciones y estímulos que entre todos determinarían el comportamiento de nuestro personaje.
El texto dramático generalmente aporta información valiosa, tanto a directores como actores, para dar forma a los personajes y situaciones de una obra. Al leer un texto y analizar un personaje lo primero a indagar son las características físicas y emocionales que se develan a través de los parlamentos. De ahí que al estudiar un personaje nos preguntemos: ¿Quién es?, ¿Cómo es?, ¿Dónde está?,¿Qué quiere? y ¿Por qué?.
La respuesta a estas interrogantes nos darán un primer acercamiento a la imagen y el comportamiento del personaje plasmada por el dramaturco. Luego combinar estos datos con los requerimientos del director y nuestra propuesta.
Representar a un personaje no es más que prestar nuestro organismo a un ser esbozado en un texto. Debemos darle vida y eso se logra por la sumatoria de pequeños momentos consecutivos que en total muestran situaciones de la sociedad.
Fuente: Texto: Mena Orta, María Elena, Introducción a la Actuacción, Material del curso de História del Teatro, 2004.
Imagen: 14 de febrero de 2011, Bellas Artes SWINGALIA.com, http://www.swingalia.com/img/historia-de-la-pantomima.jpg
Posar para Fotografía
El campo de la fotografía es muy amplio y variado, tiene muchos géneros, distintos protagonistas, diversos objetivos. Como arte es una de las maneras más completas para expresarse y cuenta con muchos elementos para lograr plasmar el mundo tal cual se nos presenta o simplemente como nos gustaría que se viera.
Para algunos, posar para una foto es una tortura, se refleja la tensión del momento, la sonrisa sale mal, los ojos cerrados, en fin, un desastre que delata que no se estaba cómodo al momento del click.
Sin embargo, para otros es natural, proyectan seguridad, confianza, todo está en su lugar y se ve lindo. En las redes sociales se puede ver fotos de perfil a jovencitas con el cuello torcido mirando de medio lado y los muchachos con los dedos haciendo cuernos, señales del ghetto, y otras cosas raras.
Posar como arte queda plasmado en los modelos profesionales que através del tiempo y como resultado de su trabajo, el estar frente a una cámara se convierte en una expresión artística que puede llevar al espectador a diferentes estados de ánimo y hasta tener fantasías, no importa si es para vender un producto o promocionar una marca de ropa. Bajo las indicaciones del fotógrafo y el equipo de producción, un modelo debe ser capaz de transformarse en distintos personajes basándose en posturas y expresiones faciales con un alto grado de concentración. Para los demás, cuando estemos delante de una cámara, hay que estar lo más natural posible, relajar el cuerpo, posición recta, hombros atrás, sonreír y mirar siempre al lente.
Fuente: Figueroa, Thelma, La Fotografía El Arte de Posar, Revista HIP LA GUIA 24 / Julio - Agosto / 2010
sábado, 5 de febrero de 2011
La Ópera
Canzonetta O Sole Mio de Di Capua, interpretada por
Luciano Pavarotti, uno de los grandes tenores contemporáneos.
Luciano Pavarotti, uno de los grandes tenores contemporáneos.
La voz ópera (del italiano opera "obra musical" designa desde 1350, un género de musica teatral en el que la acción escenica es, armonizada cantada y tiene acompañamiento instrumental, donde los actores utilizan estilos poco comunes al cantar.La ópera forma parte de la tradición de la música clásica de europa y se basa en distintas modalidades de canto: recitativo, arioso y aria. También se cantan dúos, tríos, cuartetos.
La ópera es una obra destinada a ser representada y esta relacionada con varios géneros de teatro musical como la zarzuela española, el singspiel alemán, la opereta vienesa, la opéra-comique francesa y el musical inglés y estadounidense.
En la ópera como en otros géneros se une: la música (orquesta, solistas, coro y director), la poesía (libreto), las artes escenicas (actuación, ballet y danza), las artes escenográficas (pintura, artes plásticas, decoración, arquitectura), iluminación y efectos escenicos, el maquillaje y los vestuarios. Se diferencia de los otros géneros en que la representación es completamente acompañada de música y la cantidad de texto es menor onula y porque estos géneros están estructurados en números musicales cerrados que van intercalados en una representación recitada.
Las subclasificaciones nacen por cambios en la consepción del libreto y en la función de la música escrita para tal libreto.
Fuente: Texto 5 de febrero de 2011, Ópera, http://es.wikipedia.org/wiki/Opera
Video: 2 de marzo de 2011, Luciano Pavarotti - 'O sole mio http://www.youtube.com/watch?v=d_mLFHLSULw
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